INVESTIGACION SOBRE EL RENACIMIENTO EN LO QUE SE REFIERE A: FORMA, ESTRUCTURA, HISTORIA, PINTURA, ESCULTURA, Y ARQUITECTURA.

AUTORES:
MUNIR EDUARDO ELUTI CUETO.
PAUL MOLINA (DISEÑADOR GRAFICO).

INVESTIGACION ENCARGADA POR EL SEÑOR EDUARDO ANABALON, PROFESOR DE ESTADO EN ARTES PLASTICAS Y EXPERTO EN ESTETICA HISTORICA.

Como punto de partida en el presente estudio podemos afirmar que; en lo que se refiere a:

La Forma: Esta es aplicada a todas las formas de arte del renacimiento, intervienen los elementos de estructura, distribución y orden compuestos y relacionados en una obra determinada. Ya que la forma, configuración, estructura, y organización son elementos que reciben directamente sus impresiones en lo que corresponde al plano psicológico de la percepción. Y en estas líneas es pertinente citar el concepto psicológico de la “teoría de la gestalt”, que plantea que la totalidad íntima establece una directa relación con el todo. En lo que se refiere al plano de los elementos reales del mundo exterior, se encuentran todo lo que es reconocible visualmente. Las formas icónicas, que son la representación artística, o analógicas de una idea mental ya concebida. Desde una perspectiva geométrica la figura del plano o del cuerpo, es abstracta y hay una marcada tendencia a su reconocimiento más simple que es el círculo. Para ilustrar artísticamente esta exposición, citamos como ejemplo la figura humana de Leonardo de Vinci. Por su convencionalismo mundial, aplicándose este principio de asociación visual del circulo hasta a los dibujos abstractos pictográficos y prehistóricos encontrados en las caverna de Altamira.

OBJETOS DEL RENACIMIENTO

Tienen en su propiedad de ilustración artística, el elemento del color. Que le atribuía propiedades estéticas, distanciamientos en el plano de las perspectivas artísticas y renacentistas, teniendo como principal fuente de referencia a la luz del sol. Y también a la gama de espectros cromáticos del arto iris, como lo son el azul, el violeta, el verde, el amarillo, el naranjo, pero basándose principalmente en los colores primarios que son el rojo, el azul, y el amarillo. Porque estos tres colores citados anteriormente no son el resultado de una mezcla de otros colores, valores y/o matices visuales. Y debido a este fenómeno estético, artístico y renacentista se les da la clasificación de colores primarios. Y al mezclar los colores primarios con otros, el resultado no es un color puro, sino que otra tonalidad visual, por estar compuesta por uno, dos y hasta tres colores, según el criterio de combinación de un artista en particular. El color blanco es el valor del color, por contener matemáticamente, la totalidad de todos los colores existentes en la gama de espectros de la naturaleza. El color negro representa para los artistas renacentistas, la ausencia de color. Las mezclas grises y cromáticas, son un resultado del color blanco y del color negro, según la calidad matemática aplicada de cada uno de ellos para lograr el efecto gris cromático deseado por un artista en particular.

EL PERIODO HISTORICO

En el siglo XVII en Europa medirional, predominando la iglesia católica, básicamente por la influencia de Roma; encontramos a los mecenas, personas adineradas que apoyaban económicamente a los artistas para que llevaran a cabo sus producciones. Y el arte lo centraban en romper lo ideales del mundo y la tradición, -en este caso absolutamente renacentista-, al reunir en un único y elevado impulso los valores humanos y divinos. Provocando una exaltación de la gloria terrenal. Confundiéndola con la infinitud del mundo sobrenatural. Propia y característica de la tendencia y corriente artística e histórica del barroco. Que exaltaba lo negativo o lo positivo, lo grande, lo auténtico y sincero pero que a la vez, también podía caer en un plano decadente. Al expresar la desbordante vitalidad, irracionalidad y también la grandilocuencia.

CARACTERISTICAS GENERALES

LA PINTURA: En Florencia se imita a los maestros del siglo XVI, en un intento de “manierismo”, extranjero a la región toscana. Después de desarrollaron pinturas, caracterizadas por sus grandes contrastes y sombras muy densas y con naturalezas muertas. Los pintores florentinos en la segunda mitad del siglo son influidos por Mateo Rosselli. Donde en su arte, predominaba el color y los reflejos decorativos. Posteriormente Francisco Furin, pinta desnudos femeninos. Y Baltasar Branceschini llamado también “El Volterrano”, cierra la pintura toscana. Otro representante muy influyente en la época renacentista es Caravaggio. Con una tendencia de corte naturalista. Manejando la luz ya con violencia en los cuerpos al mostrarlos lo más fielmente posible a su forma original y humana. Su máximo seguidor fue Caracciolo. Y Máximo Stanzione sigue a Caravaggio en postura naturalista. Por su parte Bernardo Cavallino expresó una elevada poesía y purísima elegancia formal con el manejo de la luz lírica, de figuras graciosas y suaves al ser contempladas visualmente. Lucas Giordano, influencia notablemente al estudiar a: El Greco, Purero, Velásquez, con fantasía y feliz espontaneidad expresiva. Rapidez del trazo aplicado a la técnica artística, y una fusión de colores lumínica. Sujeto a un continuo frenesí vital. Salvador Rosa es ya reconocido realista. Y Pablo Porpora es el iniciador de la naturaleza muerta en Nápoles. Con un colorido exuberante y sensual.

Un gran representante del “manierismo”, fue Domingo Theotokópulos, o también llamado el greco.

ESCULTURA: Se influenció por el siglo XVI por el “manierismo”. Juan Lorenzo Bernini quien representó las influencias espirituales, con profunda religiosidad contrarreformista. Expresando sentimientos e imágenes clásicas. Por una técnica prodigiosa y con un empeño en exactitud naturalista y también con un aire fantástico; que se torna formal con mármoles y estucos. También conjugando lo sobrenatural con lo descarnadamente emocional. Alejandro Algardi vivifica lo clásico estudiando griegos y alejandrinos. Superando la frialdad de sus obras con luces. Y Hércules Ferrat maneja el claroscuro en mármol. En la escultura se observa una marcada tendencia al “manierismo”, de Juan Boullogne, con efectos del más refinado y culto virtuosismo. Con un dinamismo nervioso y explosivo. Ya que la escultura se torna ecléctica. En Génova le falta relieve; y se nutre de Pedro Puget, quien se inspiró en Bernini. Por su parte Puget aborda temas religiosos expresando la agitación de las formas y la grandiosidad decorativa. En España hay una marcada tendencia a la imaginería. Un realismo febril y atormentado con una tensión dramática vibrante contrarreformista en la aplicación a la madera. En la localidad de Castilla, con Gregorio Hernández transforma el “manierismo” de Berruguet en impetuosidad barroca. Con una carga dinámica, realista, y gran expresividad. En Italia, Francisco Duquesnoy se inspira en el arte clásico al buscar en la estatua de la influencia griega y romana. Al desarrollar su estilo con dulce y lírica sensibilidad.

ARQUITECTURA: En el transcurso del siglo XVI es influida por el “manierismo”, con Carlos Maderno en su efecto pictórico. Juan Lorenzo Berninicono, destacado arquitecto trabaja marcadas tendencias de tipo escenográficas; al mezclar fantasía y realidad; con inagotable inventiva. Francisco Borromino fue el más grande arquitecto barroco, afirmando lo irracional y lo fantástico con un dinamismo tumultuoso e incontrolable. Buscando la libertad espacial, con una tensión permanente, una exuberante vitalidad y una gran coherencia estilística. Al aplicar en superficies curvas y onduladas, con perfiles quebrados y contrastes de salientes y entrantes luces y sombras. Andrés Pozo, crea fantásticas escenografías que se unen a la arquitectura, superponiendo a estructuras reales elementos pintados que dilatan infinitamente el espacio, con muchas figuras animadas de movimientos impetuosos y la exaltación vital que es la base del barroco. En las ciudades de Nápoles y Sicilia; con Justo Lombardo, y, por la ornamentación exuberantemente vistosa de Domingo Fontana, se agregaron estatuas y decoraciones. Dando coherencia y armonía al sur de Nápoles en tierra del otranto, donde se crea el “barroco de Leche”. Riquísimo y fantasioso que cubre superficies con decoraciones. Esta tendencia es de influencia netamente española, y su mejor representante es José Zimbalo.

PRINCIPALES REPRESENTANTES Y SUS FORMAS

PINTURA: Caravaggio, con sus pintura “David”, y “La virgen de los palafrenos”. J. L. Bernini: Entre sus obras destacan:“Apolo y Dafne”, “Baldaquín de la basílica de san Pedro”, “La tumba de Urbano VIII”, “El éxtasis de santa Teresa”., “Columnata de San Pedro”, y “La iglesia de san Andrés de Quirinal”.

Borromi: Con las siguientes obras: “La iglesia de santa Inés”, “El oratorio de los filipinos”, “La iglesia de san Carlos de las cuatro fuentes”.

Pedro de Cortona: Con sus obras: “La edad de plata”, “Santa maría de la paz”.

El Volterrano: Con “La burla de párroco Arloho”.

Pablo Porporh: Con su obra “Flores”

Gregorio Hernández, creador de “La piedad”, y “El bautismo de Cristo”.

Diego Velásquez: Con “El aguador”, Dos aldeanos”, “El príncipe Baltasar Carlos”, “Las mínimas”, “El jardín de Lavilla Médicis”.

FIN.


BIBLIOGRAFÍA:

Enciclopedia: Arte/Rama Tomo III. Editorial Codex. S.A.: El arte del siglo XVII.

“Historia del arte”. Autor: Montener y Simón.

“EL MUNDO DEL ARTE”. Editorial Grijalbo. Enciclopedia de 2 volúmenes. Año 1978.

“ATLAS DE LOS ESTILOS ARTISTICOS”. Autor: R. Pradera Vega. Ediciones Jover. Año 1976.

“Historia del arte universal”. Autores: Hans Tintelnot, y J. J. Martín González. Ediciones Moretón S.A. (España). Enciclopedia de 20 volúmenes. Año 1967.